DEL ACADEMICISMO AL IMPRESIONISMO: CÓMO CAMBIÓ LA PINTURA MODERNA
Cuando apareció el impresionismo en la segunda mitad del siglo XIX, la novedad no estuvo únicamente en utilizar colores más luminosos o dejar una pincelada más visible. Lo que estaba cambiando era algo bastante más profundo: la manera de entender qué podía ser una pintura y qué asuntos merecían ser pintados.
La tradición académica había establecido durante mucho tiempo una jerarquía de géneros, unas determinadas convenciones de dibujo, composición y acabado, y una forma de valorar la pintura estrechamente relacionada con el dominio técnico y con ciertos temas considerados especialmente importantes.
Los impresionistas comenzaron a apartarse de algunas de esas convenciones. Pintaron paisajes, calles, estaciones, jardines, cafés y escenas de la vida contemporánea. Dejaron visible la pincelada y prestaron una atención extraordinaria a los cambios producidos por la luz.
La gran transformación: el interés de una pintura ya no tenía que depender necesariamente de un gran tema histórico, mitológico o literario. La propia experiencia visual —la luz, el color, el espacio y la vida contemporánea— podía convertirse en asunto suficiente para pintar.
ANTES DEL IMPRESIONISMO: EL PESO DE LA ACADEMIA
Para comprender por qué el impresionismo resultó tan novedoso hay que tener en cuenta el sistema artístico contra el que apareció.
En Francia, las instituciones académicas y el Salón oficial ejercían una enorme influencia sobre la formación de los artistas y sobre la posibilidad de mostrar sus obras al público.
La pintura académica concedía gran importancia al dibujo, a la construcción de las figuras, a una composición cuidadosamente organizada y a un acabado en el que la intervención del pincel podía quedar muy disimulada.
También existía una jerarquía de géneros. La pintura de historia, que incluía asuntos históricos, religiosos y mitológicos, ocupaba tradicionalmente una posición especialmente elevada.
Esto no significa que toda la pintura anterior al impresionismo fuese igual ni que todos los artistas siguieran exactamente las mismas normas. Pero sí existía un sistema institucional y unos criterios artísticos frente a los cuales las nuevas generaciones comenzaron a posicionarse.
PINTAR LA VIDA CONTEMPORÁNEA
Uno de los cambios más interesantes fue la elección de los temas.
Los pintores impresionistas dirigieron con frecuencia su atención hacia el mundo que tenían delante: los nuevos espacios urbanos, los cafés, los teatros, las estaciones ferroviarias, los jardines, los paseos, las carreras de caballos, el paisaje y las actividades de ocio.
La modernización de París y los cambios sociales del siglo XIX proporcionaron nuevos escenarios. La pintura podía ocuparse de una estación llena de vapor, de personas paseando por una calle o de una tarde junto al río.
El tema cotidiano dejaba así de necesitar una justificación histórica o mitológica para convertirse en protagonista del cuadro.
IMPRESSION, SOLEIL LEVANT Y EL NOMBRE DEL IMPRESIONISMO
Una de las obras más conocidas de Claude Monet es Impression, soleil levant (Impresión, sol naciente), pintada en 1872 y conservada actualmente en el Musée Marmottan Monet de París.
La pintura representa el puerto de Le Havre. Barcas, agua, humo, reflejos y construcciones aparecen resueltos sin una descripción minuciosa. La atmósfera y las condiciones de luz adquieren tanta importancia como los propios objetos.
Cuando la obra fue presentada en la primera exposición independiente del grupo en 1874, su título sirvió al crítico Louis Leroy para publicar una crítica satírica en la que utilizó el término «impresionistas».
Aquella palabra, utilizada inicialmente con intención burlona, acabaría dando nombre al movimiento.
Al mirar esta pintura: conviene no buscar primero cuántos detalles aparecen representados. Es mucho más interesante observar cómo unas pocas relaciones de color y valor bastan para construir la sensación del puerto, la distancia y la atmósfera.
CUANDO LA PINTURA EMPIEZA A HABLAR DE PINTURA
Otro cambio fundamental está en la creciente importancia de los propios elementos pictóricos.
Naturalmente, composición, dibujo y color habían sido esenciales mucho antes del impresionismo. La diferencia está en que ahora la manera de aplicar la pintura, las relaciones cromáticas y la percepción de la luz adquieren una presencia especialmente evidente.
La pincelada puede verse. El color no necesita quedar perfectamente fundido. Algunas zonas parecen apenas indicadas cuando se contemplan de cerca y adquieren coherencia al alejarnos.
La superficie del cuadro comienza así a llamar la atención sobre su propia construcción. No contemplamos únicamente lo representado: también podemos percibir claramente cómo está hecho.
Si quieres estudiar específicamente estos recursos pictóricos, puedes continuar en Aspectos del impresionismo: luz, color, pincelada y composición, donde analizamos con más detalle la técnica y la manera de observar de los impresionistas.
EL DIBUJO NO DESAPARECE
También conviene corregir otra idea demasiado repetida: afirmar que con el impresionismo el dibujo dejó de tener importancia.
Basta estudiar a Edgar Degas para comprobar que no es así. Degas fue un dibujante extraordinario y construyó muchas de sus composiciones mediante un estudio muy consciente de la figura, el movimiento y el espacio.
Lo que cambia es la obligación de que toda pintura responda a una misma relación entre dibujo, modelado y acabado.
Monet, Degas, Renoir, Pissarro, Sisley o Berthe Morisot ofrecen soluciones diferentes. El impresionismo amplió las posibilidades de la pintura, pero no estableció una única manera correcta de pintar.
DEL SALÓN A LAS EXPOSICIONES INDEPENDIENTES
La ruptura impresionista tampoco fue exclusivamente estilística. Afectó a la manera en que los artistas podían relacionarse con las instituciones y presentar su trabajo.
Ante las dificultades y rechazos encontrados en el sistema oficial, Monet, Degas, Renoir, Pissarro, Morisot y otros artistas organizaron en 1874 una exposición independiente en París.
Aquel gesto tenía una enorme importancia: los artistas podían buscar espacios alternativos para mostrar su obra sin depender exclusivamente de la aceptación del Salón oficial.
Las exposiciones impresionistas continuaron, con participantes variables, hasta 1886. Las diferencias entre los propios artistas fueron aumentando, pero el cambio ya se había producido.
POR QUÉ EL IMPRESIONISMO FUE IMPORTANTE PARA LA PINTURA MODERNA
No sería correcto presentar el impresionismo como el único origen de todo el arte moderno. La transformación de la pintura del siglo XIX y comienzos del XX fue mucho más compleja y participaron en ella numerosos artistas y corrientes.
Pero el impresionismo sí contribuyó de manera decisiva a ampliar el territorio de la pintura.
El tema cotidiano adquirió una nueva importancia. La pincelada pudo permanecer visible. La percepción de la luz se convirtió en un problema pictórico central. Los artistas encontraron formas alternativas de exponer y la superficie pintada comenzó a mostrar cada vez más claramente sus propios recursos.
Las generaciones siguientes no se limitaron a continuar estas soluciones. Algunas reaccionaron contra ellas y otras las transformaron profundamente.
El neoimpresionismo, por ejemplo, abordó el color desde planteamientos mucho más sistemáticos.
Cézanne, Van Gogh, Gauguin y otros pintores desarrollaron después soluciones muy diferentes, preparando a su vez nuevos caminos hacia las vanguardias del siglo XX.
UNA RUPTURA QUE CAMBIÓ LAS POSIBILIDADES DE LA PINTURA
Mirado desde hoy, puede resultar difícil imaginar hasta qué punto algunas pinturas impresionistas parecieron extrañas, inacabadas o incluso incorrectas a una parte del público de su tiempo.
Precisamente por eso es interesante volver a observarlas sin quedarnos únicamente con la belleza de sus paisajes y colores.
Detrás de aquellas pinceladas había preguntas importantes: qué merece ser pintado, cuánto detalle necesita una imagen, cómo representamos una percepción cambiante y hasta qué punto una pintura debe someterse a las convenciones establecidas.
Las respuestas de los impresionistas no fueron definitivas. Pero ayudaron a que las generaciones siguientes pudieran formular preguntas todavía más radicales.
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