EXPRESIONISMO EN LA PINTURA: CARACTERÍSTICAS, COLOR Y ARTISTAS

El expresionismo fue uno de los movimientos artísticos más importantes de comienzos del siglo XX. Frente a una pintura preocupada por reproducir fielmente la apariencia visible de las cosas, los artistas expresionistas utilizaron el color, la línea, la pincelada y la deformación de las formas para transmitir una visión más subjetiva de la realidad.

Esto explica por qué en muchas obras expresionistas encontramos colores alejados de la naturaleza, perspectivas alteradas, figuras angulosas o rostros deliberadamente deformados. No son necesariamente errores de dibujo. Son decisiones plásticas tomadas para reforzar aquello que la pintura quiere comunicar.

Para quien pinta o aprende a pintar, el expresionismo resulta especialmente interesante porque plantea una cuestión fundamental: ¿hasta qué punto necesitamos representar exactamente lo que vemos?

Una idea importante: deformar una figura, modificar un color o exagerar una línea puede ser una decisión consciente. En el expresionismo, la fidelidad visual deja de ser el único criterio para construir una imagen.

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QUÉ ES EL EXPRESIONISMO

El término expresionismo se utiliza principalmente para referirse a distintas tendencias artísticas desarrolladas en Europa a comienzos del siglo XX, con una presencia especialmente importante en Alemania y Austria.

No debemos entenderlo como un estilo completamente uniforme. Dentro del expresionismo encontramos artistas y grupos con planteamientos diferentes, pero comparten una voluntad de alejarse de la representación estrictamente naturalista.

La pintura podía modificar aquello que tenía delante. El artista podía intensificar un color, simplificar un cuerpo, alterar una proporción o construir el espacio de manera poco convencional si con ello conseguía dar mayor fuerza a la obra.

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EL COLOR EN LA PINTURA EXPRESIONISTA

Una de las transformaciones más interesantes del expresionismo se encuentra en el uso del color. El color ya no tiene por qué corresponder exactamente con el color local del objeto representado.

Un rostro puede contener verdes, amarillos intensos, violetas o rojos; un paisaje puede construirse mediante contrastes cromáticos mucho más fuertes que los observados directamente en la naturaleza.

Lo importante es comprender que esta libertad no significa utilizar colores arbitrariamente. El color continúa teniendo una función dentro de la composición. Puede separar planos, crear contrastes, dirigir la mirada, modificar la sensación de profundidad o establecer el carácter general de la pintura.

Para llevarlo a la práctica: cuando un pintor se aparta del color observado necesita prestar todavía más atención a las relaciones entre los colores. La libertad cromática funciona cuando existe una estructura que sostiene el conjunto.

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LA DEFORMACIÓN DE LA FIGURA Y DEL ESPACIO

Otro recurso característico es la deformación intencionada. Las proporciones del cuerpo pueden modificarse, los contornos hacerse más angulosos y la perspectiva perder la estabilidad que esperaríamos de una representación naturalista.

Esto resulta particularmente interesante desde el punto de vista del dibujo. Para deformar de manera consciente conviene distinguir entre una alteración deliberada y una proporción que simplemente no hemos sabido resolver.

Un artista puede alargar unas manos, inclinar un edificio o simplificar un rostro porque esas modificaciones contribuyen a la construcción de la obra. La deformación se convierte entonces en un recurso expresivo.

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LA PINCELADA Y LA MATERIA

En muchas pinturas expresionistas la pincelada permanece visible. No existe necesariamente la intención de esconder el procedimiento hasta conseguir una superficie completamente uniforme.

Las pinceladas pueden ser amplias, cortas, enérgicas o seguir distintas direcciones. El modo de aplicar la pintura participa así en la construcción de la imagen.

Para un pintor esta cuestión es importante. Una pincelada no solo deposita color: también posee dirección, tamaño, espesor y ritmo. Modificar cualquiera de estos elementos cambia la superficie del cuadro.

Por eso, cuando observamos una obra expresionista, merece la pena acercarnos a la superficie y estudiar cómo está aplicada la pintura. A cierta distancia vemos la imagen; de cerca podemos comprender mejor cómo ha sido construida.

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DIE BRÜCKE Y DER BLAUE REITER

Dentro del expresionismo alemán encontramos dos grupos fundamentales: Die Brücke —El Puente— y Der Blaue Reiter —El Jinete Azul—.

Die Brücke se formó en Dresde en 1905. Entre sus miembros estuvieron Ernst Ludwig Kirchner, Erich Heckel y Karl Schmidt-Rottluff. Sus obras muestran con frecuencia contornos marcados, simplificación de las formas, colores intensos y un tratamiento directo de la figura y del paisaje.

Der Blaue Reiter surgió algunos años después en Múnich y estuvo relacionado especialmente con Wassily Kandinsky y Franz Marc. En sus investigaciones el color adquirió una autonomía creciente y algunos de sus planteamientos contribuyeron al desarrollo de la abstracción.

Aunque ambos grupos se relacionan con el expresionismo, no debemos considerarlos idénticos. Sus intereses y la evolución de sus artistas fueron diferentes.

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ARTISTAS RELACIONADOS CON EL EXPRESIONISMO

Además de los integrantes de estos grupos, existen artistas esenciales para comprender el desarrollo de una pintura expresiva en torno al cambio de siglo.

Edvard Munch fue uno de sus grandes precedentes. En obras como El grito, el paisaje, la figura y el color se alejan de una descripción naturalista para construir una imagen de enorme tensión visual.

Egon Schiele desarrolló una obra especialmente reconocible por la fuerza de su dibujo. Sus figuras angulosas y sus líneas tensas demuestran hasta qué punto el contorno puede adquirir protagonismo.

También Oskar Kokoschka llevó al retrato una pincelada activa y una representación alejada de la apariencia pulida y convencional.

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CARACTERÍSTICAS DEL EXPRESIONISMO

• Uso libre e intenso del color.
• Deformación consciente de figuras y objetos.
• Simplificación de determinadas formas.
• Contornos marcados y gran importancia de la línea.
• Pincelada visible y, en ocasiones, enérgica.
• Alejamiento del naturalismo estricto.
• Importancia de la visión subjetiva del artista.
• Utilización de los recursos pictóricos para intensificar el carácter de la imagen.

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REALISMO Y EXPRESIONISMO: DOS MANERAS DE INTERPRETAR LO VISIBLE

Compararlo con otros movimientos ayuda a comprender mejor el cambio. En el realismo, la observación del mundo contemporáneo y la representación de la realidad visible ocupan un lugar fundamental.

El expresionismo permite transformar esa realidad de una manera mucho más evidente. El color observado puede cambiar, las proporciones pueden alterarse y el espacio puede construirse de acuerdo con las necesidades de la pintura.

Esto no convierte necesariamente un movimiento en lo contrario del otro. Lo interesante es observar cómo cambia la relación del pintor con aquello que tiene delante.

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QUÉ PUEDE ENSEÑARNOS EL EXPRESIONISMO AL PINTAR

Estudiar el expresionismo no significa que tengamos que pintar como Kirchner, Kandinsky o Munch. Su utilidad para quien aprende pintura está en comprender hasta dónde podemos transformar aquello que observamos.

Podemos empezar por algo sencillo: realizar un dibujo bastante fiel al modelo y después hacer una segunda versión en la que modifiquemos conscientemente algunos elementos. Simplificar las formas, intensificar determinados contrastes, cambiar la gama cromática o trabajar con una pincelada más visible permite comprobar cuánto puede transformarse una imagen sin perder necesariamente su estructura.

El ejercicio es especialmente útil porque obliga a tomar decisiones. Ya no basta con preguntarnos de qué color es un objeto. Tenemos que decidir qué color necesita nuestra pintura.

La lección más interesante del expresionismo: aprender las reglas del dibujo y del color no obliga a utilizarlas siempre de manera naturalista. También nos permite saber cuándo y por qué queremos modificarlas.

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DEL EXPRESIONISMO A LA ABSTRACCIÓN

Algunas de las investigaciones desarrolladas en torno al expresionismo llevaron cada vez más lejos la autonomía del color y de la forma. Kandinsky sería una figura fundamental en este proceso.

Cuando color, línea y forma dejan de depender necesariamente de la representación de un objeto reconocible, se abre uno de los caminos que conducirán hacia la abstracción.

Décadas después aparecerían planteamientos completamente diferentes, como el espacialismo, en el que Lucio Fontana llegaría a intervenir físicamente la superficie del lienzo.

Entre unos movimientos y otros cambia la respuesta, pero permanece una pregunta que atraviesa buena parte de la pintura moderna: ¿hasta dónde puede transformarse una pintura y seguir siendo pintura?

El oficio de pintar