CUBISMO EN LA PINTURA: CÓMO CAMBIÓ LA FORMA DE REPRESENTAR EL ESPACIO

El cubismo transformó profundamente la manera de representar los objetos y el espacio en la pintura. Desarrollado en París a comienzos del siglo XX, principalmente por Pablo Picasso y Georges Braque, cuestionó una idea que había condicionado durante siglos buena parte de la pintura occidental: representar el mundo desde un único punto de vista.

Una mesa, una guitarra, un rostro o una botella podían dejar de aparecer tal como los veríamos desde una posición fija. Sus formas podían analizarse, simplificarse, fragmentarse y reconstruirse sobre la superficie del cuadro.

El resultado cambió nuestra manera de mirar una pintura. Ya no se trataba solamente de reconocer qué objeto estaba representado, sino de comprender cómo había sido construido mediante planos, líneas, formas y relaciones espaciales.

Una idea fundamental: el cubismo no consiste simplemente en convertir los objetos en figuras geométricas. Su verdadera aportación está en cuestionar cómo representamos el volumen y el espacio sobre una superficie plana.

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QUÉ ES EL CUBISMO

El cubismo comenzó a desarrollarse en París alrededor de 1907 y tuvo en Picasso y Braque a sus principales impulsores. Durante varios años ambos artistas investigaron conjuntamente nuevas maneras de construir las formas sin depender de la representación tradicional.

Uno de sus puntos de partida fue la obra de Paul Cézanne, especialmente su manera de simplificar la naturaleza y organizarla mediante volúmenes y planos de color.

A estas investigaciones se sumó el interés de numerosos artistas europeos por esculturas y objetos procedentes de culturas africanas y de otras tradiciones no occidentales, que influyeron especialmente en Picasso durante aquellos años.

Las señoritas de Aviñón, realizada por Picasso en 1907, suele considerarse una obra decisiva en este proceso, aunque el lenguaje cubista se desarrollaría posteriormente a través del trabajo paralelo de Picasso y Braque.

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EL PROBLEMA DE REPRESENTAR EL VOLUMEN

Cuando dibujamos un objeto sobre un papel nos encontramos con un problema elemental: el objeto tiene volumen, pero el papel es plano.

Durante siglos, la perspectiva, el escorzo, el claroscuro y el modelado permitieron crear una ilusión convincente de tridimensionalidad. El cubismo decidió investigar otras posibilidades.

En lugar de intentar que la superficie desapareciera visualmente para convertirla en una especie de ventana, los cubistas hicieron más evidente que estaban trabajando sobre un plano.

Los objetos comenzaron a descomponerse en facetas y planos que podían mostrarnos diferentes aspectos de una misma forma. Fondo y figura se relacionaban de una manera cada vez más estrecha y la profundidad tradicional perdía importancia.

Para entenderlo desde el dibujo: imagina una taza. Desde una posición vemos el círculo de la boca convertido en una elipse, mientras que el asa aparece lateralmente. El cubismo permite reconsiderar esa obligación de escoger una única visión del objeto y reconstruir sus formas de otra manera.

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CARACTERÍSTICAS DE LA PINTURA CUBISTA

Aunque el cubismo evolucionó rápidamente y atravesó distintas etapas, podemos reconocer algunos planteamientos fundamentales:

• Fragmentación de objetos y figuras en planos.
• Simplificación y geometrización de las formas.
• Reducción de la perspectiva tradicional.
• Integración creciente entre figura y fondo.
• Representación de diferentes aspectos de un objeto dentro de una misma composición.
• Importancia de la estructura frente a la descripción minuciosa.
• Uso del collage y de materiales ajenos a la pintura durante su evolución.

No todas estas características aparecen con la misma intensidad en todas las obras. Para comprender mejor sus diferencias conviene distinguir entre cubismo analítico y cubismo sintético.

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EL CUBISMO ANALÍTICO

El denominado cubismo analítico se desarrolló principalmente entre 1909 y 1912. Durante esta etapa, Picasso y Braque llevaron bastante lejos la descomposición de los objetos.

Las formas se fragmentan en numerosos planos pequeños que se entrecruzan. Los límites entre los objetos y el fondo pueden resultar difíciles de establecer y la imagen exige una mirada más lenta.

El color suele quedar bastante contenido, con gamas de ocres, tierras, grises y verdes apagados. Esta reducción cromática permite concentrar la atención en la estructura, el volumen y las relaciones entre los planos.

Es interesante observar este aspecto después de estudiar el fauvismo: mientras los fauvistas habían concedido un enorme protagonismo al color, Picasso y Braque restringieron deliberadamente la gama en muchas obras cubistas para investigar otros problemas pictóricos.

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EL CUBISMO SINTÉTICO Y LA APARICIÓN DEL COLLAGE

A partir de 1912 se produjo un cambio importante. Las formas comenzaron a hacerse más amplias y legibles y aparecieron procedimientos nuevos.

Picasso y Braque empezaron a incorporar a sus composiciones elementos como papeles impresos, recortes, tipografías o imitaciones de determinadas superficies.

Con los papiers collés y el collage ocurrió algo especialmente interesante: un fragmento de papel real podía representar a la vez aquello que era y otra cosa distinta dentro de la imagen.

Un papel estampado podía convertirse visualmente en parte de una mesa; una tipografía podía funcionar como palabra y como forma; una textura industrial podía sustituir a una superficie que antes habría tenido que pintarse.

La pintura dejaba así de limitarse a pigmento aplicado sobre un soporte y comenzaba a incorporar materiales procedentes de la realidad cotidiana.

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PICASSO Y BRAQUE: DOS PINTORES, UNA INVESTIGACIÓN COMPARTIDA

Aunque Picasso suele ocupar un lugar protagonista cuando se habla del cubismo, Georges Braque fue igualmente fundamental en su desarrollo.

Entre aproximadamente 1908 y 1914, ambos pintores trabajaron en estrecha relación, observando mutuamente sus avances y llevando sus investigaciones por caminos tan próximos que algunas obras de determinados periodos resultan sorprendentemente similares.

Braque investigó especialmente la construcción del espacio y fue decisivo en la introducción de recursos como las letras pintadas y los papiers collés.

Junto a ellos, Juan Gris desarrolló posteriormente un cubismo de gran claridad estructural, con composiciones cuidadosamente organizadas y un tratamiento del color diferente al de la primera etapa analítica.

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CUBISMO Y FUTURISMO: POR QUÉ NO SON LO MISMO

La fragmentación de las formas hace que algunas pinturas futuristas puedan recordar al cubismo, pero sus objetivos fueron diferentes.

El cubismo investigó especialmente la estructura de los objetos y su representación dentro del espacio pictórico. El futurismo, en cambio, utilizó muchos recursos de fragmentación para intentar transmitir movimiento, velocidad y simultaneidad.

Podemos verlo de una manera sencilla: ante muchos bodegones cubistas, los objetos permanecen quietos y lo que cambia es nuestra manera de representarlos. En una pintura futurista, la fragmentación suele contribuir a producir la sensación de que algo se desplaza o se transforma en el tiempo.

Esta comparación resulta muy útil porque demuestra que un mismo recurso plástico puede cumplir funciones completamente diferentes.

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QUÉ PUEDE ENSEÑARNOS EL CUBISMO AL DIBUJAR Y PINTAR

No necesitamos convertir nuestros dibujos en obras cubistas para aprender de sus planteamientos. Su estudio puede ayudarnos a comprender mejor la estructura de aquello que dibujamos.

Cuando observamos un objeto complejo, resulta útil preguntarnos qué volúmenes básicos lo forman, qué planos cambian de dirección y cómo se relacionan unas partes con otras.

Podemos probarlo con un bodegón sencillo. Antes de dibujar contornos y detalles, reducimos una botella, una taza o una pieza de fruta a sus estructuras principales. Después estudiamos cómo se organizan esas formas dentro del formato.

Este ejercicio no busca obtener un resultado cubista. Sirve para evitar uno de los errores más frecuentes al aprender a dibujar: copiar únicamente el contorno sin comprender el volumen que estamos representando.

Un ejercicio interesante: dibuja un mismo objeto desde tres posiciones próximas. Después compara qué partes permanecen constantes y cuáles cambian. Es una manera sencilla de comprender que cualquier dibujo representa solamente una de las muchas visiones posibles de una forma tridimensional.

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DEL CUBISMO A LAS VANGUARDIAS DEL SIGLO XX

La influencia del cubismo fue enorme. Su nueva manera de organizar la superficie, fragmentar las formas e incorporar materiales abrió posibilidades que serían desarrolladas posteriormente por numerosos movimientos.

El futurismo tomó algunos de sus recursos y los orientó hacia la representación del movimiento. Otros artistas avanzaron hacia diferentes formas de abstracción y el collage pasó a formar parte del vocabulario habitual del arte moderno.

El cubismo demostró que una pintura no tenía que reproducir necesariamente el espacio tal como lo percibimos desde un punto fijo. Podía analizarlo, desmontarlo y reconstruirlo.

Junto con las investigaciones sobre el color que estaban desarrollando otros movimientos contemporáneos, esta transformación contribuyó a ampliar de manera decisiva las posibilidades de la pintura durante las primeras décadas del siglo XX.

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LA GRAN APORTACIÓN DEL CUBISMO

El cubismo nos obliga a recordar algo elemental: una pintura no es el objeto que representa. Es una superficie sobre la que organizamos líneas, formas, valores, colores y materiales.

Picasso y Braque utilizaron esta evidencia para replantear problemas que llevaban siglos formando parte del oficio de pintar: cómo representar el volumen, cómo construir profundidad y qué relación debe existir entre una imagen y aquello que observamos.

Por eso su importancia no reside solamente en la apariencia fragmentada que asociamos inmediatamente con el cubismo. Lo verdaderamente decisivo fue la pregunta que plantearon: ¿es necesario representar las cosas tal como aparecen ante nuestros ojos para poder comprenderlas pictóricamente?

La pintura del siglo XX ofrecería muchas respuestas diferentes. El cubismo fue una de las que cambió definitivamente el problema.

El oficio de pintar